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Brasil

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7 creativos que redefinen el arte y diseño brasileños

Por CNN

(CNN) — Pocos países serían tan audaces como para ser anfitriones de la Copa Mundial de Fútbol y de los Juegos Olímpicos en un período de dos años. Pero además, pocos países pueden afirmar una pasión honesta y sin barreras por la vida, como Brasil.

La historia de la exprovincia portuguesa es compleja. A menudo violenta, desigual y plagada con una economía inactiva, hasta hace unos cuantos años, cualquier titular internacional relacionado con Brasil tendía a enfocarse en el Carnaval o en la violencia descontrolada relativa a las drogas dentro de las conocidas favelas del país. El enorme país sudamericano —el “gigante dormido” como fue apodado— era de bajo rendimiento.

Pero el mundo ahora está presenciando un despertar sísmico. La próspera clase creativa de Brasil está escribiendo una historia diferente… y el escenario cultural a nivel mundial es aún más rico por ello.

Desde la elogiadísima arquitectura de Isay Weinfeld hasta el internacionalmente aclamado trabajo de los hermanos Campana (cuya presencia puede sentirse en cada exposición importante de diseño alrededor del mundo), Brasil está avanzando rápidamente más allá de los viejos estereotipos.

Como el escritor brasileño Alcino Leite Neto lo dice, en su ensayo introductorio para la nueva enciclopedia de tapa dura de Phaidon —cuyos extractos se muestran más abajo— que celebra la escena cultural del país, “en Brasil, el futuro acaba de comenzar”.

El arquitecto: Isay Weinfeld


Hotel Fasano de Boa Vista por Isay Weinfeld

Isay Weinfeld es uno de los arquitectos contemporáneos más fascinantes de Brasil y el responsable de los elegantes diseños minimalistas de numerosos edificios a lo largo de São Paulo y Río de Janeiro, incluyendo un número de sitios de la cadena de hoteles de lujo Fasano.

Los logros arquitectónicos de Weinfeld han sido reconocidos en numerosas ocasiones por el Instituto de Arquitectos de Brasil. Su librería Livraria da Vila ganó el Premio Yellow Pencil en los premios D&AD; en Londres en 2008 y el Premio Spark Award en San Francisco el mismo año.

Weinfeld trabaja principalmente en su país de origen… su carrera como arquitecto, profesor y director de cine está muy relacionada con la ciudad de São Paulo. La mayoría de sus proyectos se realizan allí y ha llevado a cabo numerosas exposiciones y conferencias centradas en los problemas arquitectónicos y urbanísticos de la ciudad. Los proyectos recientes incluyen el galardonado Edificio 360°, el Fasano Porto Feliz, ganador del premio de Diseño de Interiores para el mejor hotel vacacional, numerosos espacios de venta a lo largo de la calle Oscar Freire y espectaculares proyectos residenciales que exhiben el arte contemporáneo.

La variada naturaleza de su trabajo es algo que él fomenta, diciendo: ‘Soy curioso con las cosas… me gusta diseñar cosas que no he hecho antes… Me encantaría diseñar un burdel o una gasolinera’. – Ana Vaz Milheiro

El fotógrafo: João Castilho

João Castilho es uno de los fotógrafos brasileños más aclamados que ha surgido durante la última década. Con una licenciatura en Literatura y una Maestría en Artes Visuales, él a menudo utiliza obras de la literatura como una fuente de inspiración para su fotografía.

Tal es el caso de la serie Whirlwind (2006), en la que busca metáforas fotográficas para representar la manifestación del diablo en la naturaleza, según la novela de 1956 “Grande Sertão: Veredas” (Gran Sertón: Veredas) de Guimarães Rosa, una de las piezas más importantes de la literatura brasileña.

Otra característica importante del trabajo de Castilho es su particular uso del color. Vacant Plot es una serie de fotografías que representan a hombres desempleados en un espacio abandonado en las afueras de Bamako, Malí. Los sujetos son fotografiados como siluetas delante de paredes pintadas de colores vivos y son deliberadamente anónimos: son retratados sin identidad y, por lo tanto, sin una historia.

Más recientemente, Castilho ha pedido prestados conceptos de la tradición del arte de la tierra. Su serie “Spices” presenta varias composiciones de especias de colores vivos (pimentón y azafrán) dispuestas sobre el desnudo color blanco del Salar de Uyuni en Bolivia.

El trabajo de Castilho está presente en varias colecciones públicas incluyendo el Museo de Arte Moderno de São Paulo y el Museo de Arte de São Paulo, así como el Museo de Arte Moderno y de Arte Contemporáneo de Lieja en Bélgica y la Galería Noorderlicht en los Países Bajos. – Eder Chiodetto

El diseñador de moda: Pedro Lourenço

Pedro Lourenço, el más joven y se puede decir que el más respetado de los diseñadores de moda internacionales de Brasil, es el único hijo del dúo de la moda compuesto por Gloria Coelho y Reinaldo Lourenço, quienes reinaron en la escena del diseño de São Paulo en la década de 1990. Es evidente que ha heredado el gusto de sus padres por la alta costura, su buen ojo para la confección y su agudo estilo arquitectónico, mientras que a eso le añade su propia pasión por trabajar con la tecnología de punta y el cuero.

Lourenço comenzó siendo joven: sus años de formación los pasó aprendiendo técnicas de diseño y de patrones en los estudios de sus padres. Él mostró su primera colección a la temprana edad de siete años y se hizo cargo de Carlota Joakina, la segunda marca de su madre, a los doce. En el 2005, presentó su propia colección en la Semana de la moda de São Paulo, y cinco años más tarde vio el debut de su primera colección ‘lista para llevar’ en la Semana de la Moda de París, sellando su reputación como uno de los jóvenes creadores más talentosos de la moda.

Al recibir elogios inmediatos de parte de los críticos por su estética contemporánea en el diseño y su fuerte identidad creativa, la colección de Lourenço resultó ser un éxito entre los expertos de la industria y suscitó las primeras comparaciones con Nicolas Ghesquière por su estilo limpio y minimalista. Él colaboró con la diseñadora brasileña de zapatos, Melissa, en una colección de zapatos condensada en 2012, y en una gama de accesorios para Swarovski, y cita sus principales fuentes de inspiración como la Diana Cazadora y el arquitecto Oscar Niemeyer. – Simone Esmanhotto

La artista callejera: Ananda Nahu

Originalmente provenientes de Juazeiro, en la frontera entre los estados de Bahía y Pernambuco, las piezas vibrantes de Ananda son diseños cuidadosamente trabajados que reflejan los colores y el ritmo de la vida en el noreste de Brasil.

Nahu se mudó a Salvador para estudiar diseño gráfico y artes visuales, y su investigación sobre el ‘placard’ y la historia del diseño del cartel, asociado con sus experimentos en la litografía, el grabado y la serigrafía, la inspiró para realizar una aplicación práctica de sus estudios en las calles de Salvador.

Empezó con carteles sencillos pegados en paredes vacías, pero pronto volcó su atención a la propia pared. Mientras se familiarizaba con el lenguaje de la pintura callejera, ella comenzó a pintar murales cada vez más elaborados y desarrolló su distintiva técnica de la plantilla.

Su inspiración proviene de una amplia gama de fuentes, incluyendo las portadas psicodélicas de álbumes y telas tradicionales: “Mis pinturas son el resultado de la mezcla de mis influencias… todo desde portadas de discos, carteles y pancartas hasta manifestaciones religiosas en la pintura y textiles africanos y asiáticos”, explica.

Sus vibrantes murales a menudo parecen enormes franjas de tela brillantemente modelada envuelta alrededor de las paredes y los edificios de la ciudad. – Marcelo Rezende

Los diseñadores: los hermanos Campana


Una habitación diseñada por Fernando y Humberto Campana en el hotel de lujo ‘Lutetia’ en París, 2012.

Humberto (izquierda), abogado de profesión, y su hermano Fernando, arquitecto, producen piezas que se definen por las texturas y formas obtenidas a través de métodos artesanales, a menudo utilizando materiales naturales o industrializados retirados de su contexto habitual. Todo, desde hebras de alambre, cordel, bandas de caucho, espejos rotos, ladrillos y tejas, cuero sintético, piezas de madera, ratán, muñecas de trapo hasta peluches, se ha convertido en materias primas transformadas por los Campana en sillas, lámparas, sofás, bancos, utensilios y mesas. En la década de 1990, su trabajo ganó la atención internacional con un espectáculo en el Museo de Arte Moderno en Nueva York.

Más recientemente, los Campana también han trabajado con escultura, cerámicas, instalaciones e interiores. Estuvieron a cargo del diseño de cafeterías, tanto en el Teatro Municipal de São Paulo como en el Museo de Orsay en París, y tienen trabajos en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno en Nueva York, el Centro Pompidou en París y el Museo Vitra Design en Weil am Rhein.

A pesar de su extensa agenda internacional, todavía trabajan desde su taller en el centro de São Paulo, el cual se encuentra entre las tiendas baratas y talleres de reparación… es aquí donde investigan materiales y técnicas y construyen prototipos de los objetos que han cambiado la imagen de diseño brasileño en los últimos 15 años. – Mara Gama

El artista: Paulo Nazareth

Los trabajos de Paulo Nazareth recuperan el conceptualismo experimental de la década de 1970 con el fin de investigar las condiciones culturales, económicas y sociales detrás de la marginalización de las personas negras e indígenas en los países latinoamericanos.

Como una figura carismática, el artista recurre a su propia herencia mixta en sus acciones, representaciones, fotografías y textos producidos durante sus peregrinaciones constantes a través de todo el mundo. Nazaret saltó a la fama en la escena internacional con el proyecto “Notícia de América” (Noticias de América, 2011-12), donde se embarcó en un viaje, principalmente a pie, a través de más de quince países de América Latina antes de llegar a Estados Unidos.

Entre los diversos trabajos producidos durante esta peregrinación se encuentra una serie de fotografías titulada “Cara de Índio” (Rostros Indígenas), en las cuales se fotografió a sí mismo al lado de personas provenientes de diferentes orígenes indígenas, destacando la vasta selección de características físicas heterogéneas que son abarcadas por el término “indígena”.

Jugando con las nociones preconcebidas de la identidad de una manera humorística, Nazareth es una de las pocas voces que aborda los temas raciales dentro del arte contemporáneo brasileño. –Kiki Mazzucchelli

La diseñadora gráfica: Elaine Ramos


El diseño del libro “Linha do tempo do design gráfico no Brasil”, 2012

La historia de Elaine Ramos se entrelaza con la de la editorial Cosac Naify, para quien trabaja como directora de arte. Ella ha ayudado a coordinar su influyente serie de libros sobre diseño gráfico, transformando a la editorial en uno de los principales centros de producción y reflexión sobre el tema en Brasil; su estilo y visión ha hecho de su identidad gráfica una de las más coherentes y refrescantes en el mercado editorial brasileño.

Perteneciente a la generación que creció durante la renovación cultural y política tras el fin de la dictadura de Brasil, ella asimiló en su trabajo tanto las influencias tropicalistas como ciertos principios modernistas, los cuales habían sido previamente reducidos a dogmas viciados. El resultado es una serie de proyectos con una rara mezcla de sobriedad y experimentación.

Su generación es una de las primeras en trabajar enteramente en la era digital, pero la cual también se dedica a la investigación de materiales y formas, así como técnicas anticuadas de impresión.

Como miembro del equipo brasileño en la Alliance Graphique Internationale (AGI), Ramos ha ganado numerosos premios internacionales, como el de “50 Books/50 Covers” de AIGA, por “O Livro Amarelo do Terminal”. –