Nota del editor: este artículo fue publicado originalmente en The Art Newspaper, un socio editorial de CNN Style.
El redescubierto e impresionante “Varón de los dolores” de Sandro Botticelli, que será subastado en Sotheby’s el 27 de enero ––con una garantía de 40 millones de dólares–– todavía debe estudiarse a fondo, pues ha estado en manos privadas desde el siglo XIX.
Pero el análisis técnico que realizó la casa de subastas como preparación para la venta ya reveló un descubrimiento inesperado: la imagen intrigante de una Virgen y un Niño, cubiertos bajo las capas de pintura.
Chris Apostle, vicepresidente y director de Pinturas de los Maestros Antiguos de Sotheby’s en Nueva York, ha tenido la oportunidad de pensar sobre el cuadro en profundidad. Y cree que se trata de una composición inconclusa de una “Virgen de la ternura” ––un tipo derivado de íconos griegos––, en el que la Virgen acuna íntimamente la cabeza del Niño Jesús contra la suya, mejilla con mejilla. Los rasgos faciales, especialmente la nariz, los ojos y la boca risueña, que él identifica como pertenecientes al Niño Jesús, son muy visibles en la imagen infrarroja, si se gira al revés.
Esta cabeza ocupa un espacio debajo del pecho del “Varón de los dolores”, mientras que lo que parece ser un ojo y una ceja, pertenecientes a una cabeza de mujer, asoman desde la zona cercana a la mano derecha propia de Cristo, según Sotheby’s. También hay evidencia de algún fondo blanco, posiblemente de cadmio, en la parte inferior de la figura. Otras partes visibles de la composición abandonada incluyen lo que parecen pliegues de un manto, con bandas decorativas alrededor del hombro y parte de una manga, y también se puede distinguir el brazo regordete del Niño.
Algunas líneas en este dibujo inferior son más gruesas que otras. Lo que sugiere que pueden haber sido trazadas a partir de un boceto estándar y luego recubiertas con un pigmento líquido. Pero la cabeza del Niño Jesús, sugirió Apostle, es “única”. No hay una réplica en ningún Botticelli autografiado u obra de estudio de lo que vemos aquí.
Entonces, ¿es inusual encontrar tal dibujo bajo una pintura? Apostle dice que se ha encontrado con este tipo de cosas antes. “El panel era un producto valioso en el Renacimiento”, explicó. Por lo que en el caso de una obra de arte interrumpida, como esta de una Virgen con el Niño, un motivo que Botticelli y su atareado estudio producían regularmente, “uno no querría tirarla a la basura”. Y así, al parecer, Botticelli tomó el panel, lo giró hacia el otro lado y decidió usarlo para una composición extraordinaria, que refleja la angustia religiosa semimilenaria de Italia en este momento. La nueva obra está fechada tentativamente alrededor de 1500, cuando las predicciones del apocalipsis y las esperanzas de salvación personal alcanzaron un nivel especial de intensidad.
El panel de álamo que Botticelli utilizó era el soporte de pintura estándar en la Florencia renacentista. El análisis técnico de Sotheby’s revela una fisura en el medio y un viejo nudo en la madera y muestra que el panel fue “reconfigurado en algún momento del siglo XX”, según Apostle. Está intercalado en un tablero moderno, con el reverso y el frente originales a cada lado (“una especie de marouflage”, explicó el especialista). Las capas de pintura están en “bastantes condiciones buenas”, continuó, aunque un poco maltratadas en los bordes, y hay adiciones en la parte superior e inferior de la imagen.
Las imágenes de infrarrojo también muestran que Botticelli realizó ciertos ajustes en la composición, según el análisis de Sotheby’s. Por ejemplo, la punta de un dedo que palpa la herida abierta en el costado de Cristo ahora está cubierta por su túnica. También hay un cambio en la posición de la herida y el perfil del pulgar, con el efecto resultante de que la herida es “minimizada” un poco, como dijo el Apostle. También hay evidencia de que Botticelli alteró la longitud del cabello de Cristo, su barbilla y la ubicación de algunas de las espinas de la corona, así como también sus cejas.
En términos de la técnica pictórica típica de Botticelli, Apostle dijo que “la ha cambiado” aquí, mezclando témpera y óleo. “Es muy difícil decir cuál es el medio de unión sin hacer pruebas”, dijo. “Pero la técnica parece bastante consistente con lo que esperaría ver. Tenemos tecnología XRF para que podamos ver, por ejemplo, el elemento cadmio, y tenemos un mapa de plomo, que muestra dónde están los rellenos y las pérdidas. Los pigmentos incluyen cromo, titanio, etc., todos los pigmentos que uno esperaría ver”, explicó.
Al igual que en “Retrato de un joven sosteniendo un medallón” de Botticelli, que Sotheby’s vendió en Nueva York por 92 millones de dólares, se usa abundante pintura blanca con plomo en toda la composición, con algo de mezcla de yeso en la preparación base. .
La diminuta cruz en la parte superior de la composición se hizo marcando líneas en la superficie de la pintura y luego se desplazó (estas incisiones también son visibles en “Retrato de un joven sosteniendo un medallón”). “Habría quedado demasiado a la derecha”, dijo Apostle, aunque la cruz y Cristo quedaron ubicados asimétricamente. Esta asimetría contrasta con una imagen contemporánea comparativa, el “Salvator Mundi” de Leonardo Da Vinci (otra imagen anómala. que se vendió por 450 millones de dólares en Christie’s de Nueva York en 2017), donde se presenta a Cristo rígidamente de frente, como en el famoso “Velo de la Verónica”, reliquia de Cristo.
“Para mí, lo que encuentro conmovedor es que Cristo está un poco descentrado”, dijo Apostle. “Botticelli le ladeó un poco la cabeza, lo que es más humano”.
A los 55 años o más, al momento de pintar la obra, Botticelli habría estado en la última década de su vida, señaló Apostle. “Siento que hay algo en esta imagen que Botticelli está proyectando, un entendimiento de que todos vamos a morir, tiene una profunda carga emocional”, dijo. “Si hubiera representado a Cristo de lleno y rígido, esto sería más como un icono, un poco más impenetrable”.
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